“El espectro del matón y la amenaza que representa para las mujeres se ha infiltrado en la narrativa australiana en un grado preocupante”

‘Birdeater’ es una mirada sin complejos a cómo la icónica identidad masculina de Australia se ha vuelto incompatible con la política de género contemporánea. Marcados durante nuestros años de formación en la Escuela de Radio y Televisión de Australia con películas como ‘Wake in Fright’ (Ted Kotcheff, 1971), luchamos por conciliar la imagen masculina clásica en nuestras pantallas con los hombres que conocíamos a nuestro alrededor. El rudo matón del interior parece haberse convertido en un producto mitológico de nuestra imaginación colectiva y colonizada que no responde a la verdad de nuestra compleja comunidad. Este tipo de figura se ha vuelto problemática en más de un sentido, pero eso no significa que debamos retirarlo.

Ideamos un plan para utilizar tropos o significantes estéticos del cine australiano clásico con un propósito más contemporáneo. El arbusto verde oscuro, la camioneta roja resplandeciente con luces de caza, la risa irónica del dacelo… remezclados para una película sobre la política de relaciones moderna. Llevamos el cine del interior al estudiante privado de la región de North Shore, y es aterradora la facilidad con la que estos arquetipos modernos se asimilan dentro del género arcaico. Para nosotros está claro que el espectro del matón, y específicamente la amenaza que representa para las mujeres australianas, se ha infiltrado en nuestra narrativa nacional en un grado preocupante.

El personaje de Dylan representa mejor nuestra compleja relación con el cine nacional dentro de ‘Birdeater’. Está diseñado para resultar rápidamente familiar para el público como un zafio imprudente y bebedor, pero en última instancia adorable. Sin embargo, a medida que avanza la película y las expectativas de Dylan para esa noche crecen en conflicto directo con las de Louie, comienza a manifestarse como algo más preocupante. El lenguaje capacitista de Dylan, su flagrante misoginia y su inteligencia emocional atrofiada rápidamente amargarán a algunos, mientras que a otros les resultarán incómodamente familiares. De manera similar, la comedia ‘Birdeater’ tiene como objetivo impulsar a una audiencia liberal a preguntarse si se supone que deben reírse, y a una audiencia conservadora a cuestionarse por qué nadie más lo hace.

Si bien Dylan es una presencia irritante, sin duda, Louie es, en última instancia, el villano de nuestra historia. El drama de las relaciones abusivas es otro atolladero de tropos y arquetipos peligrosos que tuvimos cuidado de sortear. A menudo, en este tipo de narrativas, el trauma femenino histórico se utiliza como un recurso problemático para provocar la simpatía de la audiencia. En cambio, decidimos invertir esta dinámica: un hombre víctima de un trauma se convierte en el antagonista de su propia relación. Estábamos interesados ​​en ver cómo impresionaría a la audiencia este victimismo y si la empatía se dividiría.

El abuso psicológico de una pareja no es identificable como un delito o un acto de violencia doméstica en Australia, pero es, con diferencia, nuestra forma de abuso más prolífica. Si bien Louie nunca pone una mano encima de Irene, ni se da a entender que alguna vez lo haya hecho o lo vaya a hacer, ‘Birdeater’ postula que Louie es, de todos modos, un abusador violento. En su personaje vemos, sin duda, que una víctima puede convertirse en abusador, y viceversa. Queríamos preguntar tanto a los hombres de la película como a los hombres del público si se sienten responsables de este tipo de comportamiento en su comunidad, incluso cuando se trata de un amigo, incluso cuando no hayan infringido ninguna ley. Los hombres son responsables del comportamiento de otros hombres, y es el tipo exacto de actitudes comunitarias que vemos ritualizadas en las despedidas de soltero, o el lenguaje del que nos reímos en una vieja película australiana, lo que perpetúa estas raíces venenosas.

Sabíamos que nuestra primera película sería de micropresupuesto, pero en lugar de resentirnos por estas limitaciones, aceptamos alegremente el desafío de crear algo que nunca diera la impresión de estar restringido. La rica combinación de colores Kodachrome, la banda sonora con muchos instrumentos de viento y el amplio lenguaje de la cámara pretenden rechazar de manera lúdica las tendencias estéticas actuales del cine independiente de bajo presupuesto. Aparte de una secuencia muy específica, prohibimos a nuestro director de fotografía los movimientos de cámara manuales, trabajar con lentes de enfoque superficial, nebulizadores o fuentes de luz LED multicolores y llamativas, y de manera similar, prohibimos a nuestros personajes usar teléfonos, hacer referencia a las redes sociales o a una jerga ultramoderna. Fue una llamada a la atemporalidad, sí, pero también a desestabilizar a la audiencia y a lo que pueden esperar de una película sobre “jóvenes”.

Este espíritu se extendió al equipo. Nos rodeamos de un pequeño pero diverso grupo de jóvenes cineastas locales, todos con convincentes voces propias. Trabajar con un micropresupuesto nos obligó a apoyarnos constantemente en nuestros jefes de departamento para encontrar soluciones creativas cuando nuestra ambición frecuentemente excedía nuestro alcance.